ヴィンテージコレクター、中古ファッション愛好家、リセール出品者にとって、服の柄やステッチを理解することは、アイテムの見極めやスタイリング、価値の評価に欠かせません。ペイズリーのうねる曲線から幾何学柄のシャープな構成まで、**パターン（柄）**はただの装飾ではなく、時代、サブカルチャー、世界的なデザインの流れを物語っています。
このガイドでは、ヴィンテージ服やレトロファッションに見られる49種類の象徴的な柄パターンを紹介します。各パターンの視覚的な特徴、文化的背景、ファッション史における変遷、そして現代のスタイリングのコツまでを網羅。クローゼットの整理、フリマアプリへの出品、古着店での仕入れなど、どんなシーンでも役立つ包括的な内容です。
それでは、ヴィンテージ柄の言語を一つひとつ解読していきましょう。
アブストラクト柄
視覚的特徴:
非具象の形、飛び散るような色彩、筆跡のような動きが特徴的。既存のモチーフではなく、感情や芸術的エネルギーを抽象的に表現。曲線、非対称、強い色のコントラストなどが多用されます。
歴史背景：
ジャクソン・ポロックやカンディンスキーに代表される抽象表現主義にルーツを持ち、1950〜60年代にファッションへ浸透。1980年代にはメンフィスグループの影響で再燃しました。
流行時代：
1960年代後半〜70年代のサイケデリックアート期、そして1980年代のパワードレッシングの流れで人気に。近年はストリートや前衛的なコレクションで再登場。
関係するスタイルやサブカルチャー：
ボヘミアン、アートスクール系、ハイファッション系に多く見られます。現代では実験的なストリートブランドやインディーズブランドでも採用。
よく使われる衣類アイテム：
ブラウス、オーバーサイズシャツ、ジャンプスーツ、シルクスカーフ、80年代風ブレザー、柄ワンピースやスカートなど。
現代スタイリングのコツ：
アブストラクト柄のトップスにはベーシックなパンツやデニムを合わせて主役に。上下セットでレトロ風にまとめるのも◎。レトロなシルエットと合わせればヴィンテージ感アップ。
レア度・価値：
希少ではないが、特定の時代やデザイナー（例：80年代イタリアや日本のアバンギャルド）に関連するものは高評価に。アーティストコラボ品は特に価値あり。
アニマル柄
視覚的特徴:
ヒョウ、ゼブラ、スネーク、タイガーなど動物の毛皮や鱗模様を模したデザイン。茶系や黒、コントラストの強い色合いが多く、視覚的にインパクト大。
歴史背景：
アフリカ、アジア、ヨーロッパの各文化で富や地位の象徴とされてきた柄。1920年代に西洋ファッションへ登場し、1960〜80年代に大流行。クリスチャン・ディオールやロベルト・カヴァリによって高級路線に。
流行時代：
1960年代（グラム・ボヘミアン）、1980年代（パワードレッシング）、1990年代（グランジ＆グラム回帰）など。Y2K以降も周期的に人気。
関係するスタイルやサブカルチャー：
グラムロック、パンク、ディスコ、Y2K、マキシマリスト系のファッションなど。
よく使われる衣類アイテム：
ヒョウ柄コート、ゼブラ柄ミニスカート、スネークスキンパンツ、トラ柄ドレス、ベルト、バッグ、シューズなどのアクセサリー類。
現代スタイリングのコツ：
黒・白・ベージュなどシンプルな色と合わせて柄を引き立てる。あえて柄同士（ヒョウ×迷彩など）をミックスするのもトレンド。デニムやレザーと合わせると抜け感が出て◎。
レア度・価値：
一般的だが常に需要あり。60年代のフェイクファーや80年代のグラマラスなジャケットなどはブランドや状態により高値に。
アーガイル柄
視覚的特徴:
斜め格子が重なり合った菱形パターン。通常3色以上が使われ、レイヤー感と奥行きがあるチェック柄。
歴史背景：
スコットランドのキャンベル氏族のタータンが原点。1920年代にゴルフウェアとして人気に火がつき、「プリングル・オブ・スコットランド」などのブランドが採用。
流行時代：
1920年代（ゴルフ）、1950年代（アイビーリーグ）、1980年代（プレッピーリバイバル）、2000年代初頭の「ギークシック」にも登場。
関係するスタイルやサブカルチャー：
プレッピースタイル、テニスやゴルフの伝統ファッション、またはパンクやエモシーンでの皮肉的な着こなし。
よく使われる衣類アイテム：
セーター、ベスト、ハイソックス、カーディガン、スカーフ、時にはニットスカートやドレスも。
現代スタイリングのコツ：
ビンテージTシャツや白シャツの上にアーガイルベストを重ねてレトロ学園風に。ハイソックス×ミニスカートでY2K感も演出可能。ベーシックな色なら上品、カラフルならキッチュな可愛さが出せます。
レア度・価値：
クラシックな柄で比較的多いが、50年代アメリカ製や本場スコットランド製の良品はコレクターに人気。
アール・デコ
視覚的特徴:
アール・デコ柄は、ジグザグ、サンバースト、シェブロン、段状の幾何学模様など、対称的で構造的なラインが特徴です。黒、金属色、宝石色などの配色が多く、華やかさ、贅沢さ、秩序を感じさせます。
歴史的背景：
1920年代に登場し、1930年代に最盛期を迎えたアール・デコは、キュビズムやエジプト美術、産業的モダニズムの影響を受けて誕生しました。建築や視覚芸術から始まり、やがてファッション、ジュエリー、テキスタイルに広がり、第一次世界大戦後の繁栄と進歩の象徴となりました。
人気の時代：
1920年代から1940年代初頭が黄金期。1980年代と2010年代にも、ヴィンテージ風コレクションや『華麗なるギャツビー』スタイルの流行と共にリバイバルしました。
関連するサブカルチャー・スタイル：
フラッパースタイル、スピークイージー風ファッション、近年ではレトログラマーやヴィンテージドレス愛好家など。
よく見られるアイテム：
ビーズ刺繍のイブニングドレス、シルクローブ、刺繍入りジャケット、メタリックブラウス、クロッシュハット、幾何学モチーフのアクセサリー、ビーズバッグなど。
現代のスタイリングのヒント：
アール・デコの要素は一点投入が効果的。直線的なラインのトップスや、ビーズ刺繍のジャケットをミニマルなコーデに重ねて。テーマパーティやイブニングウェアに最適。
希少性と価値：
1920〜30年代の本物は非常に希少で高価。ビーズや刺繍が施されたものは特に価値があります。1980年代の復刻アイテムは手に入りやすく、今でもコレクターに人気。
バンドプリント
視覚的特徴:
バンドプリントは、アーティストのロゴ、ツアー日程、アルバムジャケット、関連するアートワークなどがデザインされたプリント。主にTシャツに見られ、前面または背面に大きくプリントされるのが一般的。パンクやメタル、サイケデリックなど多様なスタイルが存在します。
歴史的背景：
1960〜70年代にロックやパンクのファンたちが忠誠心の証としてTシャツを着るようになったのが始まり。ツアーグッズが一般化し、ファッションとしても定着。1980〜90年代にはポップカルチャーの一部となりました。
人気の時代：
1970年代から現在に至るまで継続的に人気。特に80年代のメタル／パンク、90年代のグランジ、2010〜20年代のヴィンテージブームで再燃。
関連するサブカルチャー・スタイル：
ロックファン、メタラー、パンクス、グランジ世代、スケーター、ハイプビースト、Y2K系ストリートファッションにも多く見られます。
よく見られるアイテム：
Tシャツが主流だが、スウェット、タンクトップ、ロンT、ジャケットやパッチなどにも展開。
現代のスタイリングのヒント：
オーバーサイズのヴィンテージTシャツをダメージジーンズやネルシャツと合わせたり、ブレザーの下に重ねてコントラストを楽しむのが◎。ハイウエストショーツにインしてアクセを足すと洗練された印象に。
希少性と価値：
伝説的ツアーや限定プリントのバンドTは非常に人気。状態・バンドの影響力・プリント内容によって価格が高騰（例：Nirvana、Metallica、Grateful Deadなど）。
バロック
視覚的特徴:
バロック柄は華美で装飾的。アカンサスの葉、花柄、メダリオン、天使、金の唐草模様などを取り入れ、黒地に金、赤、ロイヤルブルーなどコントラストの強い配色で重厚感を演出します。
歴史的背景：
17世紀ヨーロッパのバロック芸術・建築運動に由来。1980〜90年代にはジャンニ・ヴェルサーチなどのデザイナーが再解釈し、高級感あふれるスタイルに昇華。
人気の時代：
18〜19世紀の宮廷ファッションを皮切りに、1980〜90年代のラグジュアリーファッションで再燃。2010年代のマキシマリズムブームでも注目されました。
関連するサブカルチャー・スタイル：
イタリアンラグジュアリー、ヒップホップスタイル（特に90年代）、現代のマキシマリストたち。
よく見られるアイテム：
ブラウス、シルクシャツ、ボンバージャケット、スカーフ、ワンピース、金のアクセント入りバッグやベルトなど。
現代のスタイリングのヒント：
バロック柄は主役に。豪華なシルクシャツには黒のパンツやデニムを合わせてバランスを。アニマル柄やチェーン柄と合わせて強さを演出するのもあり。
希少性と価値：
高い。特にヴィンテージヴェルサーチやデザイナーコラボ品は人気。80〜90年代のブートレグ品もストリートで評価されています。
ボヘミアン／ボーホープリント
視覚的特徴:
自由奔放でエキレクティックなスタイル。花柄、ペイズリー、民族模様、手描き風の要素が重なり合い、アースカラーやビビッドカラーで構成。曲線的で非対称、レイヤー感のあるデザイン。
歴史的背景：
19世紀ヨーロッパのロマや芸術家の影響を受けて生まれ、1960〜70年代のカウンターカルチャーで現代的に定着。インドのブロックプリント、モロッコのタイル模様、中東のパターンが元になっています。
人気の時代：
1960〜70年代のヒッピー文化で大流行。2000年代初頭の「ボーホーシック」（シエナ・ミラー、メアリー＝ケイト・オルセン）や2010年代のフェスファッションでも再登場。
関連するサブカルチャー・スタイル：
ヒッピー、ニューエイジ、インディーフォーク、フェスファッション、エコファッション。スローファッションやアップサイクルとも関連。
よく見られるアイテム：
マキシドレス、キモノ、ペザントブラウス、ワイドパンツ、巻きスカート、スカーフ、カフタンなど。軽くてゆったりした素材が多い。
現代のスタイリングのヒント：
ボーホープリントのキモノをデニムショーツやクロップトップに羽織ってフェス風に。クロシェやスエード素材を重ねて雰囲気を強調。ヴィンテージブーツやハンドメイドのジュエリーで個性をプラス。
希少性と価値：
比較的一般的だが人気は高い。60〜70年代の本物のボヘミアンアイテム、特に手作りやインド綿製のものは希少でコレクターズアイテムとされます。
カモフラージュ
視覚的特徴:
緑・茶・ベージュ・黒など自然の色合いを使った、ブロッチ状のレイヤーパターン。森林・砂漠・都市などの地形に溶け込むよう設計されており、軍用はシャープでデジタル的、ファッションではソフトで抽象的に。
歴史的背景：
20世紀初頭、軍事目的で開発。戦場での視認性を下げるために導入されました。1960年代後半には民間ファッションにも広まり、最初は反戦の象徴、次にファッションとして定着。
人気の時代：
1960年代後半（ベトナム戦争への抗議）、1990年代（ヒップホップとストリート）、2000年代初頭（ポップパンクとY2K）、2010年代（戦術系ストリート）。
関連するサブカルチャー・スタイル：
パンク、ヒップホップ、グランジ、Y2K、軍放出品愛好家、スケーター、ストリートウェア収集家。時代によっては反体制の象徴にも。
よく見られるアイテム：
カーゴパンツ、フィールドジャケット、Tシャツ、キャップ、ユーティリティベスト、スカート、ジャンプスーツなど。
現代のスタイリングのヒント：
ブラック、ベージュ、ホワイトなどの中間色と合わせてバランスを取ると◎。ストリート風に着るなら、カモパンツにクロップドフーディーやグラフィックTを合わせるのがおすすめ。
希少性と価値：
一般的には流通量が多いが、「フロッグスキン」WWII柄や80〜90年代のデザイナーカモなど、レアバージョンは高値で取引されることも。
カートゥーン／コミックプリント
視覚的特徴:
アニメキャラ、吹き出し、漫画のコマ、ポップアート風のイラストなどが含まれます。ディズニー、ルーニー・テューンズ、マンガ、スーパーヒーロー、90年代アニメなど多岐に渡ります。
歴史的背景：
1960〜70年代から衣服に登場。1980〜90年代にかけてライセンス商品やストリートファッションの影響で爆発的に普及。ロイ・リキテンスタインの作品がファッションとアートの橋渡しに。
人気の時代：
1980〜90年代が全盛期。モスキーノやジャン＝シャルル・ド・カステルバジャックなどが先駆け。2010年代以降はノスタルジアと共にストリートで再浮上。
関連するサブカルチャー・スタイル：
Y2K、原宿系、スケーター、アニメファン、ポップシュールリアリズム、アイロニック系ファッションなど。子供服と大人のストリートを横断する存在。
よく見られるアイテム：
Tシャツ、パーカー、デニムジャケット、パジャマ、ウィンドブレーカー、キャップなど。ミッキー、バート・シンプソン、セーラームーンなどのキャラが代表。
現代のスタイリングのヒント：
ハイウエストジーンズにインする、オーバーサイズのネルシャツと合わせるなど、遊び心のあるグランジ風コーデが人気。キッチュに振るなら派手なスニーカー、逆にブレザーでギャップを演出するのも◎。
希少性と価値：
90年代のディズニーやマーベルのライセンスTは特に人気。フェード感やプリントのヒビ割れがあるとヴィンテージらしさが出て好まれる。サイズが大きいほど価値が上がる傾向にあり。
チェック柄
視覚的特徴:
チェック柄は、同じ大きさの四角形が交互の色で並ぶグリッド状のパターンです。最も一般的なのは黒と白の組み合わせですが、さまざまな色のバリエーションが存在します。力強く、対称的でコントラストの強いデザインが特徴です。
歴史的背景：
チェック模様は何世紀にもわたって使われており、チェス盤、中世の紋章、古代の織物などに見られます。ファッションでは、スカ音楽文化、レーシングスタイル、パンクファッションを通して近代的な人気を獲得しました。特に1980年代のVansのチェッカーボードスリッポンは、ストリートスタイルの象徴となりました。
流行期：
1970年代後半から80年代のスカとパンクのムーブメント期に注目され、90年代のオルタナティブシーン、Y2K時代にも流行。2010年代にはストリートウェアやジェンダーレスファッションで再び人気に。
関連するサブカルチャー／スタイル：
スカ、パンク、グランジ、スケータースタイル、オルタナティブ、最近ではe-girl/e-boyやレトロ・レーシング系ファッションに関連。
よく見られるアイテム：
パンツ、スカート、クロップトップ、Vansのシューズ、ボタンアップシャツ、ウィンドブレーカー、バックパックやビーニーなどのアクセサリー
スタイリングのヒント：
チェック柄を主役にしたグラフィックなスタイルがおすすめ。チェックのミニスカートに無地のTシャツ、またはヴィンテージバンドTにチェックのフランネルシャツを羽織るスタイルも◎。足元は厚底ブーツやスニーカーでバランスを取って。
希少性と価値：
広く流通しているが、ユニークな色使いやブランドとのコラボ、ヴィンテージのチェックニットなどはコレクターアイテムとしての価値がある。
シェブロン柄
視覚的特徴:
シェブロン柄はV字型やジグザグ模様が連続して並ぶデザインで、対称的で繰り返しのある動きが視覚的にリズミカルな印象を与えます。
歴史的背景：
何千年もの歴史を持つ模様で、古代ギリシャの陶器や紋章にも見られます。ファッションにおいては1960〜70年代、Missoniのニットコレクションによって華やかな幾何学模様として注目を浴びました。
流行期：
1970年代のサイケデリック＆幾何学ファッションの中で人気が爆発。2010年代にはボヘミアン＆フェスティバルファッションとして復活。
関連するサブカルチャー／スタイル：
ボヘミアン、ミッドセンチュリー、サイケ系、レトロシック、70年代風スタイリングに多く見られる。
よく見られるアイテム：
ニットウェア、マキシドレス、スカート、スカーフ、セーター。特にMissoniのヴィンテージアイテムは非常に人気。
スタイリングのヒント：
大胆なシェブロン柄のセーターは、ワイドパンツやフレアジーンズと合わせてレトロな雰囲気に。無地や小花柄と組み合わせて現代風にアレンジを。アクセサリーは控えめにして柄を際立たせるのがポイント。
希少性と価値：
ヴィンテージファッションでは一般的だが、Missoniなどのブランドアイテムは高価で取引される。色の組み合わせや素材（例：ウールニット）が価値に影響する。
カラーブロック
視覚的特徴:
カラーブロックは、コントラストの強い色の大きなブロック（長方形や正方形など）が隣り合って配置されたデザインです。非対称的なパターンも多く、モダンで力強い印象を与えます。
歴史的背景：
1960年代にピークを迎え、ピエト・モンドリアンのアートやモッズファッションに大きく影響を受けました。Yves Saint Laurentがモンドリアン・ドレスでこのスタイルをファッションに取り入れたことでも有名です。
流行期：
1960年代の黄金期、1980年代のネオンカラー、2010年代のミニマリズム再興期にも人気。大胆さとクリーンさを両立するスタイルとして今も愛される。
関連するサブカルチャー／スタイル：
モッズ、80年代のパワードレッシング、ミニマリスト、レトロモダンなど。アヴァンギャルド志向の人にも日常使いにも人気。
よく見られるアイテム：
シフトドレス、ブラウス、スカート、ウィンドブレーカー、スーツ、スポーツ系アクセサリーやスニーカーなど
スタイリングのヒント：
カラーブロックトップスは無地のパンツと合わせて主役に。あるいは補色同士のブロックで大胆にまとめても◎。ラインをすっきりさせ、柄同士の衝突を避けるのが洗練の鍵。
希少性と価値：
極めてレアではないが、本物のモッズ時代のヴィンテージや80年代のデザイナーアイテムは高値が付くことも。珍しい色の組み合わせやブランドタグがポイント。
かぎ針編み
視覚的特徴:
かぎ針編みのパターンは、糸をかぎ針で編み込むことでできるループ状やレース状の質感が特徴です。繊細な花模様から、大胆なグラニースクエアまで多彩です。
歴史的背景：
19世紀から家庭用品やアクセサリーとして広く使われていた手芸技術。ファッションでは1960〜70年代にDIYやヒッピー文化とともに大流行。創造性やカウンターカルチャーの象徴となりました。
流行期：
1970年代が最盛期。ボヘミアンファッションの代表格として定着し、2000年代と2020年代にはサステナブルファッションの流れで復活。
関連するサブカルチャー／スタイル：
ボヘミアン、ヒッピー、コテージコア、フェスティバルスタイル、そして現代のエコ・ハンドメイド志向ファッション
よく見られるアイテム：
トップス、カーディガン、ドレス、ポンチョ、水着、ベスト、バッグや帽子などの小物にも多用
スタイリングのヒント：
スリップドレスの上にかぎ針編みのベストを重ねれば70年代風に。クロップドトップ＋ハイウエストジーンズも◎。デニム、レザー、シルクと異素材MIXすると今っぽさUP。単色でまとめれば”おばあちゃん感”も抑えられる。
希少性と価値：
ハンドメイドのヴィンテージかぎ針アイテムは一点物が多く、希少価値が高い。精緻なデザインや天然素材、珍しいカラーは特に人気。
ダマスク柄
視覚的特徴:
ダマスク柄は、織りで表現される豪華な花柄や蔓、スクロール模様が特徴です。通常は単色で、マットと光沢の差で模様が浮かび上がる。アンティークの壁紙や高級家具を思わせる優雅な印象。
歴史的背景：
ビザンティンやイスラム文化の織物から発展し、シルクロードの交易都市ダマスカスの名を冠しています。中世にはシルク素材で貴族の衣服や調度品に使われ、贅沢の象徴となりました。
流行期：
ヴィクトリア朝時代に人気が高まり、20世紀中期にもフォーマルウェアやインテリアとして再び脚光を浴びました。ゴシックやバロック、ヴィンテージグラムのスタイルでは常に定番。
関連するサブカルチャー／スタイル：
ゴシックファッション、ロリータ、ヴィクトリアン・リバイバル、上品なフォーマルウェア、ブライダル＆ブドワールスタイル
よく見られるアイテム：
フォーマルドレス、コルセット、ジャケット、ウエストコート、イブニングバッグなど。特別な場面のために作られた衣装によく使われる。
スタイリングのヒント：
レザーやデニムと合わせて日常使いにアレンジ。ダマスク柄のコルセットに白シャツを合わせればクラシック×モダンなギャップが楽しめる。ダークトーンや宝石色でゴシック感、メタリックでグラマラスな印象に。
希少性と価値：
シルクや高級ブロケードのヴィンテージダマスクは非常にレアで高額。ハンドメイドやオーダーメイド品はコレクターズアイテムとなることも。
刺繍パターン
視覚的特徴:
刺繍パターンは、糸を生地に縫い付けて装飾的なモチーフを作り出すデザインです。繊細な草花模様から大胆なグラフィックまで幅広く、洋服に立体感、色彩、質感を加えます。
歴史的背景：
刺繍は世界中で古くから存在する衣類装飾技術です。中国のシルク刺繍、メキシコのオトミ柄、東欧のフォーク模様、ヴィクトリア時代の装飾など、多様な文化の中で発展してきました。ファッションにおいては、職人技と芸術性の象徴です。
人気の時代：
何世紀にもわたって親しまれてきましたが、1970年代のボーホーファッション、1940年代のフォークリバイバル、そして2000年代〜2020年代のスローファッションや手仕事志向の流行で再注目されました。
関連するサブカルチャー／スタイル：
ボヘミアン、フォーク、ヒッピー、ウエスタン、コテージコア。加えて、ロカビリーやフェス系ファッションにも人気です。
よく見られるアイテム：
デニムジャケット、メキシカンドレス、ペザントブラウス、ウエスタンシャツ、フォークスカート、90年代のジーンズやTシャツ、小物ではバッグや帽子など。
今っぽい着こなしポイント：
刺繍入りのブラウスをハイウエストパンツやデニムスカートと合わせてヴィンテージ風に。刺繍が目立つアイテムは1点主役に。ダメージデニムやシンプルなベーシックアイテムと合わせて今風に仕上げましょう。
希少性と価値：
手縫いの刺繍は特に文化的にオリジナル性が高いものやディテールが細かいものほど高価です。機械刺繍はより一般的ですが、70年代や90年代のヴィンテージアイテムではコレクター価値があります。
エスニック／トライバル柄
視覚的特徴::
エスニックやトライバル柄は、先住民や民族文化、フォークアートにインスパイアされた繰り返しのある力強いモチーフが特徴です。幾何学模様、ジグザグ、トーテム風の形、シンボリックな要素などがよく見られます。
歴史的背景：
アフリカのマッドクロス、ナバホの模様、アステカのモチーフ、インドのブロックプリント、インドネシアのバティックなど、世界中のテキスタイル伝統に基づいています。1960〜70年代のヒッピーカルチャーで、グローバル感や西洋的均一性への反発の象徴として流行しました。
人気の時代：
1960〜70年代のカウンターカルチャー時代に大流行。90年代、2010年代のボーホー／フェスファッションでも再浮上しました。
関連するサブカルチャー／スタイル：
ボヘミアン、ヒッピー、アフロセントリック、フォーク、フェスティバルスタイル。90年代のサーフ・スケーター文化にも登場。
よく見られるアイテム：
ポンチョ、カフタン、マキシスカート、シャツ、クロップトップ、ショール、ヴィンテージアウター、スカーフやバッグにも多く見られます。
今っぽい着こなしポイント：
柄を主役にするコーディネートを意識。シンプルなタンクトップやデニムジャケットと合わせてバランスを取るのが◎。文化的背景に敬意を持ち、神聖なシンボルは意味を理解した上で使用を。フェアトレードやヴィンテージの本物志向を選ぶのがトレンドです。
希少性と価値：
本物の地域から来たヴィンテージや手織りの布は高価。大量生産されたものは一般的ですが、職人手作りやエシカルソースのものはコレクターに人気があります。
フローラル柄
視覚的特徴:
花や葉、ツル、植物モチーフが描かれた柄で、繊細なバラのつぼみから大胆な大花まで幅広い。ナチュラル、抽象的、ロマンチック、サイケデリックなど表現方法は多彩。
歴史的背景：
中国の絹織物、ウィリアム・モリスのタペストリー、19世紀のチンツ、リバティプリントなど、古くから織物に取り入れられてきました。ファッションでは女性らしさ、再生、ロマンチシズムの象徴として定番。
人気の時代：
1940年代（ティードレス）、1960〜70年代（サイケ＆ボーホー）、1990年代（グランジ）など、毎世代が自分たちの美意識で花柄を再構築しています。
関連するサブカルチャー／スタイル：
ロマンチック、コテージコア、ボーホー、グランジ、ピンナップ、リゾートスタイル。カワイイやプレーリーリバイバルにも登場。
よく見られるアイテム：
ワンピース（ラップ、マキシ、ティー）、ブラウス、スカート、スカーフ、水着、スーツ、パンツなど。春夏コレクションに定番。
今っぽい着こなしポイント：
花柄アイテムは無地と合わせてバランスを。花柄ブラウス＋ジーンズ、マキシドレス＋ベージュサンダルなど。グランジ風ならブーツとレザージャケットを、ロマンチックにするならレースやフリルをプラス。オーバーサイズ柄はモダンで目を引く。
希少性と価値：
花柄は一般的ですが、ローラアシュレイやガニーサックス、リバティなどの有名ブランドや、色使いが珍しいヴィンテージ品には高い価値があります。
フローラル・ペイズリー
視覚的特徴:
ペイズリー（涙型モチーフ）に花や葉、ツルを組み合わせたデザイン。曲線的で植物的な要素が融合し、華やかで芸術的な印象を与えます。
歴史的背景：
ペルシャやインドのテキスタイルに由来し、18〜19世紀にカシミールショールとして西洋に伝わりました。花モチーフを加えることでさらに複雑で芸術的になり、サイケデリックやボヘミアンファッションで人気に。
人気の時代：
1960〜70年代のカウンターカルチャー期に人気。エミリオ・プッチやビバが牽引。1990年代、2010年代のフェスファッションでも復活。
関連するサブカルチャー／スタイル：
ボヘミアン、ヒッピー、サイケデリック、レトログラム、インド風、リゾートスタイル。
よく見られるアイテム：
マキシスカート、ペザントブラウス、フレアワンピース、スカーフ、ショール、ヴィンテージのメンズシャツ。素材はコットン、シルク、レーヨンなど。
今っぽい着こなしポイント：
花柄ペイズリーワンピにゴツめブーツやサンダルで今風ボーホーに。編みベルトやフリンジバッグと合わせてテクスチャーをプラス。シンプルな服にスカーフで取り入れるのも◎。
希少性と価値：
60〜70年代の手描きペイズリー柄ヴィンテージは人気。リバティ、ビバ、インド製輸入品は高評価。
ギャラクシー／宇宙柄
視覚的特徴:
星、星雲、惑星、彗星、渦巻く銀河など宇宙のイメージを描いた柄。紫・青・黒・ネオンなど鮮やかで幻想的な色使いが多く、デジタルプリントが主流。
歴史的背景：
宇宙モチーフのファッションは1960年代の宇宙開発競争時代から存在しましたが、「ギャラクシープリント」として爆発的に流行したのは2010年代初頭。TumblrカルチャーやSF、宇宙ブーム、デジタル印刷技術の影響が大きい。
人気の時代：
1960年代後半のスペースエイジと、2010年代前半のネットファッション時代（特にミレニアル・Z世代）
関連するサブカルチャー／スタイル：
タンブラーコア、オルタナファッション、レイブ＆EDMカルチャー、SFファン、原宿系にも見られる。
よく見られるアイテム：
レギンス、パーカー、ボンバージャケット、Tシャツ、ドレス、スケータースカートなど。合成素材にデジタルプリントが多い。
今っぽい着こなしポイント：
黒やメタリックと合わせて柄を際立たせて。ミニマルな服にギャラクシージャケットを羽織れば未来感アップ。アクセサリーは控えめにして近未来っぽく。
希少性と価値：
一般的には珍しくありませんが、2010年代初期のインディーズブランドやTumblr時代のオリジナルアイテムはY2K人気で再評価されています。
ジオメトリック
視覚的特徴:
三角形、円、四角、直線などの反復する形で構成されるデザイン。ミニマルな配列から複雑な万華鏡風まであり、秩序感やリズム、視覚的錯覚を与えます。
歴史的背景：
古代の建築や織物にも見られ、20世紀初頭のアール・デコやバウハウスにより形式化。60年代モッズ、80年代ポップ、2010年代グラフィックリバイバルなど、各時代で再解釈されています。
人気の時代：
1960年代モッズ、1980年代ネオン＆ブロックスタイル、2010年代ミニマリズム。時代ごとに異なる表現がされました。
関連するサブカルチャー／スタイル：
モッズ、ミニマリズム、アール・デコ、ニューウェーブ、80sポップ、北欧ヴィンテージ、前衛系ファッション。
よく見られるアイテム：
ミニドレス、シャツ、ジャンプスーツ、スカート、スカーフ、ニット、ブレザーなど。ポリエステルやコットン素材が多い。
今っぽい着こなしポイント：
柄の色の1つに合わせた無地アイテムで引き締めて。幾何学トップスはストレートパンツやデニムと相性良し。アクセサリーはシンプル＆モダンにまとめて。
希少性と価値：
1960年代のモッズ系ヴィンテージ、特にメアリー・クワントやクレージュなどのブランド物は価値あり。最近のものも状態が良ければ十分おしゃれに使えます。
Gingham
Visual Description:
Gingham is a lightweight, balanced check pattern featuring horizontal and vertical stripes of equal width that intersect to form a grid of solid and white squares. It typically comes in two-tone color schemes, often red, blue, or black on white.
Historical Background:
Originally imported into Europe in the 17th century from Southeast Asia, gingham was a striped fabric before evolving into its now-iconic checkered form. It became mass-produced in Manchester, England, and grew into a staple for workwear and uniforms due to its durability and clean, modest appearance.
Era of Popularity:
Gingham soared in popularity during the 1940s and 50s. It became iconic in American fashion when worn by celebrities like Brigitte Bardot, who even chose it for her wedding dress in 1959, sparking a gingham frenzy.
Associated Subcultures or Styles:
Closely associated with 1950s Americana, mid-century pin-up culture, and prairie or cottagecore aesthetics. It’s also popular in rockabilly and retro-styled communities.
Garment Types Commonly Found:
Gingham is frequently seen in vintage blouses, dresses, picnic shirts, aprons, and children’s wear. It’s a go-to fabric for mid-century day dresses and Western-style shirts.
Styling Tips for Today:
Pair a vintage gingham blouse with high-waisted jeans or a flared skirt for an instant retro vibe. For a modern twist, clash it with florals or wear oversized gingham in unexpected colors.
Pattern Rarity & Value:
Common in mid-century vintage but highly collectible when found in designer or novelty styles. Gingham from the 1940s–50s, especially in colored versions or unusual silhouettes, can fetch decent prices.
Glitter / Foil
Visual Description:
Glitter or foil patterns feature shiny, reflective elements applied to the fabric surface. These may appear as all-over sparkle, metallic accents, or bold shapes that catch and reflect light, creating a glam, eye-catching effect.
Historical Background:
Foil printing techniques emerged in the 1960s and 70s alongside disco and glam rock fashion. Glitter-enhanced fabrics became synonymous with nightlife, stage wear, and over-the-top self-expression. The 1980s saw an explosion of glitter and foil usage in dancewear, pop star outfits, and holiday-themed clothing.
Era of Popularity:
Peak popularity during the 1970s disco era and again in the 1980s. Often used for clubwear, costumes, and festive fashion. Made a strong return in Y2K party wear and resurfaces cyclically in eveningwear and festival fashion.
Associated Subcultures or Styles:
Disco, glam rock, drag culture, rave, club kids, and early 2000s pop fashion all embraced glitter and foil looks. These patterns are symbols of boldness, celebration, and theatrical flair.
Garment Types Commonly Found:
You’ll find foil prints and glitter embellishments on vintage leggings, leotards, bomber jackets, crop tops, blouses, party dresses, and statement T-shirts.
Styling Tips for Today:
Modern vintage lovers can tone it down by pairing a foil-accented top with denim or go full glam for festivals or nightlife. A vintage glitter tee or foil bomber makes an excellent statement piece when layered with basics.
Pattern Rarity & Value:
While not rare, high-quality glitter and foil items in good condition (especially from the 70s/80s) can be desirable due to the delicate nature of the materials, which often flake or fade. Items from designer or limited-run collections hold extra value.
Graphic Print
Visual Description:
Graphic prints showcase bold, often large-scale images or designs printed onto fabric. These can range from illustrations, pop art, surreal imagery, and collages to photo-realistic scenes or conceptual artwork.
Historical Background:
Graphic prints gained momentum in the 1960s, driven by pop art pioneers like Andy Warhol and Roy Lichtenstein. They became a staple of protest fashion, youth rebellion, and artistic self-expression in the 70s and 80s. Screen printing made mass production possible, allowing artists and designers to turn clothing into walking canvases.
Era of Popularity:
Peaked in the 1980s and 1990s with the rise of streetwear, band tees, and art-inspired fashion. The punk and hip-hop scenes heavily featured graphic tees and jackets as a form of statement-making.
Associated Subcultures or Styles:
Strongly linked to punk, skater, rave, hip-hop, and DIY streetwear cultures. Also common in activist circles and zine-inspired aesthetics.
Garment Types Commonly Found:
T-shirts, sweatshirts, bomber jackets, tank tops, and even denim jackets are typical canvases for vintage graphic prints.
Styling Tips for Today:
Pair a bold vintage graphic tee with minimalist pieces to let the print stand out—think black trousers or faded jeans. Layer under a blazer for contrast or over a mesh long-sleeve for a 90s revival.
Pattern Rarity & Value:
Highly variable. Some graphic prints (e.g., vintage band tees, 90s skate brands, obscure art prints) are incredibly collectible and can command high resale prices. The print content (e.g., Nirvana vs. unknown brand) largely determines value.
Hawaiian / Tropical
Visual Description:
Hawaiian or tropical prints are known for their vibrant, often oversized motifs depicting palm trees, hibiscus flowers, ocean waves, pineapples, surfers, or island scenes. These prints are colorful, bold, and evoke a relaxed, vacation-ready vibe.
Historical Background:
Originating in Hawaii in the 1930s, the “Aloha shirt” was created by local tailors using Japanese kimono fabrics. These shirts became popular with American tourists and soldiers stationed in the Pacific during WWII. By the 1950s, they had become a cultural export, embraced as leisurewear across the mainland U.S.
Era of Popularity:
The golden era of Hawaiian shirts was the 1950s–60s, with a major resurgence in the 1980s. The 2000s and 2020s also saw nostalgic revivals, especially within hipster and ironic fashion movements.
Associated Subcultures or Styles:
Closely associated with tiki culture, rockabilly, dadcore, resort wear, and mid-century Americana. Also embraced in ironic Gen Z styling and streetwear remixes.
Garment Types Commonly Found:
Most commonly seen in short-sleeve button-ups (Aloha shirts), but also found in dresses, skirts, jumpsuits, and matching sets.
Styling Tips for Today:
Wear a vintage Hawaiian shirt open over a white tee or tank for a casual streetwear vibe. Tuck into high-waisted shorts or wide-leg trousers for a retro look. Don’t be afraid to mix prints with other tropical or botanical motifs.
Pattern Rarity & Value:
Vintage Hawaiian shirts from mid-century makers (like Kamehameha or Reyn Spooner) can be highly collectible. Hand-printed rayon versions or shirts with unique scenic prints hold the most value.
Houndstooth
Visual Description:
Houndstooth is a classic two-tone textile pattern characterized by broken, jagged checks that resemble a dog’s tooth — hence the name. Most commonly found in black and white, but also appears in color variations for modern or playful twists.
Historical Background:
Originating in the Scottish Lowlands in the 19th century, houndstooth was traditionally woven in wool and associated with country clothing. It gained high-fashion status in the 1930s and became a signature pattern of luxury houses like Christian Dior, who used it in suits and accessories.
Era of Popularity:
Most popular in the 1950s and 1960s, and then revived in the 1980s and again in the 2010s as part of retro and heritage fashion trends.
Associated Subcultures or Styles:
Closely tied to preppy and mod fashion, as well as British tailoring and power dressing. Houndstooth is often used to convey elegance, intellect, and authority.
Garment Types Commonly Found:
Frequently seen on tailored pieces like coats, blazers, skirts, trousers, and dresses. Also found on scarves, hats, and handbags in smaller-scale patterns.
Styling Tips for Today:
Wear a houndstooth blazer over jeans and a T-shirt for a modern contrast, or go full vintage with a matching skirt suit. Mini houndstooth prints can be mixed with florals or bold solids for a fresh look.
Pattern Rarity & Value:
Common but enduringly stylish. Vintage designer items with houndstooth patterns, especially from the mid-century or 1980s, often retain strong resale value.
Lace Pattern
Visual Description:
Lace patterns are characterized by intricate openwork designs, often floral or geometric, crafted through weaving, knitting, or embroidery on delicate fabric. These patterns can appear as overlays or be integrated directly into garments, offering a sheer, romantic, and textured look.
Historical Background:
Lace originated in Europe during the 16th century and was initially handmade using linen, silk, or gold threads. It symbolized wealth and refinement, especially among royalty and aristocracy. By the 19th century, machine-made lace became more accessible, cementing its place in mainstream fashion.
Era of Popularity:
Enduringly popular through centuries, lace saw peaks during the Victorian era, the 1920s flapper period, the 1950s femme aesthetic, and again during the bohemian revival of the 1970s.
Associated Subcultures or Styles:
Strongly linked to romantic, gothic, cottagecore, and bohemian styles. It’s also a staple in bridal, boudoir, and vintage-inspired lingerie fashion.
Garment Types Commonly Found:
Common in dresses, blouses, nightgowns, slips, corsets, gloves, and even stockings. Lace trims also appear on collars, cuffs, and hemlines.
Styling Tips for Today:
Modernize a vintage lace blouse by pairing it with distressed jeans or layer a lace slip dress over a T-shirt for a 90s grunge twist. Use lace as an accent to soften edgier pieces like leather or denim.
Pattern Rarity & Value:
Vintage lace pieces—especially handmade or in excellent condition—are prized among collectors. Edwardian or Victorian lace, as well as unique colors or patterns, can be quite valuable.
Leopard Print
Visual Description:
Leopard print mimics the spotted coat of a leopard, typically featuring rosette-shaped black or brown spots on a golden or beige background. It’s a bold, exotic pattern instantly recognized for its wild aesthetic.
Historical Background:
Animal prints have been worn for centuries to signify power and status. Leopard print entered Western fashion in the 1920s and surged in popularity through Hollywood starlets in the 1940s and 50s. It later became a rebellious symbol in punk and rock scenes, often used to project sex appeal, power, and confidence.
Era of Popularity:
Exploded in the 1950s (think pin-up glam), came roaring back in the 1970s glam rock scene, and again in the 1990s with high fashion and grunge revival. It’s remained a fashion staple into the 2000s and beyond, often reinterpreted seasonally.
Associated Subcultures or Styles:
Popular in rockabilly, punk, glam rock, Y2K, and modern femme-fatale aesthetics. Also embraced by drag, burlesque, and camp fashion scenes.
Garment Types Commonly Found:
Seen on coats, dresses, tops, leggings, shoes, handbags, and lingerie. A favorite for statement outerwear and daring bodycon dresses.
Styling Tips for Today:
Pair a vintage leopard print coat with monochrome basics to let it shine. Mix with other animal prints for a daring clash, or use it as an accent through shoes or accessories for a more subtle touch.
Pattern Rarity & Value:
Vintage leopard print, especially from the 1950s–70s or in high-quality faux furs, remains highly desirable. Authentic mid-century pieces or those from iconic designers can command strong prices.
Logo Print
Visual Description:
Logo print features repeated or prominently placed brand logos, text, or monograms across the garment. These prints can be minimal and uniform or loud and oversized, often designed to showcase brand identity or status.
Historical Background:
While logos existed in small forms earlier, the rise of all-over logo print exploded in the 1980s and 1990s as branding became a key fashion statement. Luxury houses like Gucci, Louis Vuitton, and Fendi popularized monogram patterns, while streetwear brands turned logos into a visual identity. It also flourished in the hip-hop and urban fashion scenes.
Era of Popularity:
Peaked in the 1990s and early 2000s during the “logomania” craze. Made a strong comeback in the late 2010s as nostalgic Y2K fashion returned and luxury brands leaned back into visible branding.
Associated Subcultures or Styles:
Closely tied to hip-hop, streetwear, Y2K, and designer fashion. Also prevalent in skater culture, athletic wear, and fast fashion’s branding-heavy trends.
Garment Types Commonly Found:
Common in T-shirts, hoodies, sweatpants, caps, handbags, tracksuits, and even underwear. Often used in matching sets or as standout logo-stamped pieces.
Styling Tips for Today:
To balance logo prints, pair with clean, neutral staples. For bold fashion statements, go full monochrome logo matching set or layer under oversized blazers for a high-low streetwear mix. Vintage logo tees also make great centerpieces in modern casual fits.
Pattern Rarity & Value:
Highly collectible, especially when tied to defunct labels, first-edition releases, or iconic branding eras (e.g., 90s Tommy Hilfiger, 80s Gucci). Condition and logo prominence impact value.
Marble / Swirl
Visual Description:
Marble or swirl patterns feature flowing, organic lines that mimic the look of marbled stone, ink dropped in water, or psychedelic waves. These prints are often multicolored with no hard edges, creating a sense of fluid motion and abstract beauty.
Historical Background:
Inspired by traditional marbling techniques used in bookbinding and paper arts, these patterns entered fashion via tie-dye and psychedelic aesthetics in the 1960s and 70s. The swirling visuals embodied freedom, creativity, and anti-conformity. In the 1990s and 2000s, digitally printed marble effects reappeared in rave wear and avant-garde fashion.
Era of Popularity:
Big in the 1960s and 70s during the psychedelic movement, resurfaced in the 90s club scene, and again in the 2010s with digital prints and art-fashion collaborations.
Associated Subcultures or Styles:
Closely linked to hippie, bohemian, and psychedelic subcultures, as well as 90s rave, festival fashion, and experimental streetwear.
Garment Types Commonly Found:
Swirl prints show up on maxi dresses, bell-bottom pants, crop tops, skirts, scarves, and graphic tees. More recent versions include bodysuits and unitards with digital marble effects.
Styling Tips for Today:
Let the pattern shine by pairing with solids. A vintage swirl-print shirt or dress can be styled with platform boots and retro shades for a bold throwback. For a minimalist edge, choose marble prints in monochrome tones.
Pattern Rarity & Value:
Not extremely rare, but high-quality or early psychedelic-era pieces, especially in flowing silks or handmade items, can be collectible. The more unique or colorful the swirl, the more it tends to stand out in vintage marketplaces.
Mesh Overlay
Visual Description:
Mesh overlay patterns involve a layer of sheer, net-like fabric placed over another fabric, often creating a textured, layered effect. The mesh can be plain or patterned and is typically see-through, allowing the base layer’s color or print to peek through. Sometimes, embroidery or embellishment is added to the mesh for extra dimension.
Historical Background:
Mesh fabrics originated from utilitarian and sportswear roots but entered fashion in the 1980s and 90s as part of clubwear, goth, and alternative scenes. Designers began using mesh for contrast, sensuality, and futuristic flair, often pairing it with spandex, vinyl, or lace.
Era of Popularity:
The 1990s and early 2000s saw mesh overlays explode in popularity — especially in raver, club kid, and Y2K styles. They’ve since made a comeback in streetwear and high fashion via layering pieces, sheer tops, and lingerie-inspired looks.
Associated Subcultures or Styles:
Linked to goth, rave, grunge, Y2K, and cyber-futurist fashion. Also found in drag, performance wear, and edgy streetwear.
Garment Types Commonly Found:
Mesh overlay patterns appear on dresses, slip tops, lingerie, long-sleeve shirts, skirts, and even pants. Often used in layering pieces like sheer tops worn over bralettes or tanks.
Styling Tips for Today:
Layer a mesh overlay top over a vintage bralette or crop top for a 90s look. Pair a mesh dress over a bodysuit or slip for festival or night-out style. Use contrasting base layers to highlight the pattern.
Pattern Rarity & Value:
More common in 1990s and early 2000s vintage. Mesh items in good condition (no snags or holes) with unique prints, embroidery, or designer labels can be especially valuable.
Ombre / Gradient
Visual Description:
Ombre (from the French word meaning “shaded”) refers to a gradual blending of one color hue to another, often moving from light to dark or across a spectrum. It creates a soft, fluid, and dreamy visual effect, like watching a sunset melt into the horizon.
Historical Background:
Though the ombre technique has been used in textiles for centuries (notably in 19th-century France), its rise in fashion was particularly notable in the 2000s and 2010s, especially in hair dye trends and boho-inspired garments. Designers and DIY stylists alike embraced it as a modern reinterpretation of color experimentation.
Era of Popularity:
Ombre hit mainstream fashion hard in the 2010s, especially during the peak of the festival fashion boom. However, its roots trace back to mid-century textile experimentation and earlier European dyeing traditions.
Associated Subcultures or Styles:
Closely linked with bohemian, festival, and Y2K aesthetics. Also embraced by streetwear and avant-garde labels for its versatility and futuristic vibe.
Garment Types Commonly Found:
Dresses, maxi skirts, tunics, scarves, kaftans, and sometimes denim or jackets with dyed or bleached fades.
Styling Tips for Today:
Let the ombre shine as the statement piece. Pair a gradient maxi dress with neutral sandals or boots. An ombre vintage shirt can be styled with light-wash jeans or layered over a white tee for a laid-back, artsy look. Be mindful of accessories—keep them minimal to let the color transition do the talking.
Pattern Rarity & Value:
Ombre is relatively common but certain 70s and early 2000s ombre garments in great condition or rare color blends can command attention. High-quality gradient dyeing is often more valuable than factory-printed versions.
Paisley
Visual Description:
Paisley features curved, teardrop-shaped motifs filled with intricate botanical or geometric detailing. The pattern often appears rich and elaborate, with swirling elements that evoke both floral and flame-like forms.
Historical Background:
Originating from Persia (modern-day Iran), paisley designs were known as “boteh” and symbolized life and eternity. The pattern gained popularity in the West during the 18th and 19th centuries through the import of Kashmir shawls. British textile mills in Paisley, Scotland mass-produced the motif, giving it its modern name.
Era of Popularity:
While popular in Victorian times, paisley had a major resurgence during the 1960s and 70s, aligning with the psychedelic and bohemian fashion movements. It saw another revival in the 1990s through indie and grunge subcultures.
Associated Subcultures or Styles:
Paisley is iconic in boho, psychedelic, mod, and hippie fashion. Also embraced by rock-and-roll culture (e.g., The Beatles, Hendrix) and even modern hipster aesthetics.
Garment Types Commonly Found:
Vintage paisley is widely seen in button-up shirts, scarves, bandanas, ties, maxi dresses, blouses, and vests.
Styling Tips for Today:
Balance paisley’s complexity with minimalist pieces. A vintage paisley blouse can be paired with tailored trousers or denim shorts. For a bold statement, wear a paisley maxi dress with simple boots or flats. It also works great as an accent piece—think paisley necktie or scarf.
Pattern Rarity & Value:
Paisley is abundant in vintage markets, but older, hand-printed, or silk-based items—especially shawls and scarves—can hold collector value. Look for unique color combos and quality fabric for higher resale potential.
Patchwork
Visual Description:
Patchwork refers to a design made from different pieces of fabric sewn together, often in varied colors, shapes, and patterns. It creates a mosaic-like or collage effect that can range from chaotic and rustic to symmetrical and refined.
Historical Background:
Patchwork has roots in necessity—it began as a practical way to reuse scraps of fabric. It’s most associated with quilting traditions from 18th and 19th-century America, though versions exist worldwide, including Japanese boro and Indian kantha. In fashion, it gained recognition in the 1960s-70s as part of the handmade, countercultural aesthetic.
Era of Popularity:
Patchwork exploded during the late 1960s and 70s with the rise of the hippie and folk revival movements. It reemerged in the 1990s and 2020s as a celebration of craft, sustainability, and maximalist expression.
Associated Subcultures or Styles:
Deeply tied to bohemian, hippie, folk, and cottagecore aesthetics. Also present in Y2K, festival, and contemporary upcycled fashion movements.
Garment Types Commonly Found:
Jackets, vests, denim, skirts, dresses, overalls, and accessories like bags or bucket hats—either handmade or factory-crafted to look handmade.
Styling Tips for Today:
Let patchwork be your centerpiece. Pair a patchwork denim jacket with solid-colored basics to avoid visual overload. For full-on eclectic charm, mix with other textural pieces like crochet or fringe, but keep your silhouette structured to avoid looking costume-like.
Pattern Rarity & Value:
True vintage handmade patchwork items—especially those using rare or now-defunct fabrics—can be quite valuable. Items with dated craftsmanship, visible stitching, or storytelling elements are sought-after by collectors.
Pinstripe
Visual Description:
Pinstripe patterns feature very thin, vertical stripes—typically white or light-colored—set against a solid, darker background. The stripes are evenly spaced and often subtle, creating a sleek, tailored look associated with formality and professionalism.
Historical Background:
Pinstripes originated in men’s suiting in 19th-century Britain, where they distinguished different banks and institutions. By the 1920s and 30s, they had become synonymous with Wall Street power suits and gangster style. Hollywood’s Golden Age further glamorized the look in noir films and jazz culture.
Era of Popularity:
Peaked in the 1920s–40s and again in the 1980s during the era of corporate power dressing. It made a comeback in 1990s grunge and punk scenes (ironically, as a symbol of rebellion) and continues in modern streetwear and high fashion.
Associated Subcultures or Styles:
Strongly tied to businesswear and dandyism, but also seen in punk, mod, and gender-fluid fashion. In hip-hop and jazz cultures, pinstripe suits have been embraced for their sharp, vintage appeal.
Garment Types Commonly Found:
Suits, trousers, blazers, vests, skirts, and even some shirts or dresses in high-fashion reinterpretations.
Styling Tips for Today:
A vintage pinstripe blazer over a band tee and jeans mixes structure with streetwear. Try pinstripe trousers with a tucked-in vintage blouse or corset for an edgy-professional vibe. Don’t be afraid to break the business-only association—contrast is key.
Pattern Rarity & Value:
Pinstripes are common in menswear but high-quality vintage suiting (especially wool, with tailoring or labels from heritage brands) can hold strong resale value. Women’s vintage pinstripe pieces from the power-dressing 1980s are increasingly collectible.
Plaid
Visual Description:
Plaid consists of crisscrossing horizontal and vertical bands in multiple colors. It can be bold or subtle, symmetrical or varied, depending on the tartan or design type. Each pattern has its own distinctive look, often evoking warmth and tradition.
Historical Background:
Plaid has deep roots in Scottish heritage, where specific tartans represented clans or families. In North America, it became associated with rugged workwear (think lumberjacks) in the 19th and 20th centuries. It has since been adopted and reinterpreted globally in various fashion eras and subcultures.
Era of Popularity:
Originally prominent in traditional Scottish dress, plaid surged in the 1970s via punk fashion, in the 1990s through grunge culture, and again in the 2010s as part of hipster and normcore movements.
Associated Subcultures or Styles:
Punk (think ripped plaid pants), grunge (flannel shirts over band tees), prep school uniforms, Western wear, and even streetwear and high fashion reinterpretations.
Garment Types Commonly Found:
Flannel shirts, pleated skirts, kilts, coats, blazers, dresses, scarves, and even shoes or accessories.
Styling Tips for Today:
Go classic with a vintage plaid flannel over jeans and a tee. For a grunge edge, tie it around the waist. Try layering a fitted plaid blazer over a simple slip dress for a 90s-meets-now look. Avoid clashing by keeping the rest of your outfit neutral.
Pattern Rarity & Value:
Plaid is abundant, but certain vintage tartans, especially heritage brand pieces (e.g., Pendleton, Woolrich), or rare colorways can be prized. Handmade or wool-heavy items may command higher resale prices.
Polka Dot
Visual Description:
Polka dots are evenly spaced, circular dots that repeat in a pattern across the fabric. They can range in size from tiny pin-dots to bold, oversized spots and are typically arranged in a grid or offset pattern.
Historical Background:
Polka dots became popular in Western fashion during the late 19th century and were named during the polka dance craze—though there’s no real connection between the two beyond timing. The pattern became iconic in the 1950s thanks to Hollywood stars like Marilyn Monroe and Lucille Ball, as well as fashion icons like Christian Dior.
Era of Popularity:
Massively popular in the 1950s during the post-war fashion boom, polka dots reemerged in the 1980s and again in the 2010s with retro revival trends and playful street style.
Associated Subcultures or Styles:
Frequently tied to pin-up, rockabilly, mod, and vintage-inspired retro aesthetics. Also used in preppy and cottagecore fashion.
Garment Types Commonly Found:
Dresses (especially fit-and-flare or swing styles), blouses, skirts, scarves, headbands, swimsuits, and occasionally menswear (ties, shirts).
Styling Tips for Today:
Channel a retro vibe with a vintage polka dot dress and cat-eye sunglasses. For a modern twist, mix polka dots with stripes or solids. A vintage polka dot blouse tucked into high-waisted trousers adds a playful touch to workwear.
Pattern Rarity & Value:
Polka dots are common, but 1950s originals, especially in pristine condition or bold colorways, are collectible. Designer pieces with unique scale or placement can also attract higher resale value.
Quilted Pattern
Visual Description:
A quilted pattern features stitched sections that form a padded, textured surface—often in diamond, square, or grid shapes. The effect creates raised areas that add both visual and tactile dimension, typically filled with a soft batting layer underneath.
Historical Background:
Quilting as a technique dates back thousands of years, with early examples in Egyptian and Chinese textiles. In Western fashion, quilting gained prominence in the 18th century for warmth and structure in outerwear. It entered high fashion in the mid-20th century—most iconically with Chanel’s 2.55 quilted handbag in 1955.
Era of Popularity:
Quilted garments spiked in popularity during the 1950s and 1980s. The look re-emerged in the 2010s and 2020s thanks to the rise of “cottagecore” and the vintage workwear revival.
Associated Subcultures or Styles:
Often found in cottagecore, heritage-inspired fashion, equestrian styles, and practical streetwear. Also appears in DIY, upcycled fashion, and runway couture.
Garment Types Commonly Found:
Jackets, vests, coats, housecoats, handbags, skirts, and modern quilted sets. Vintage examples include quilted circle skirts and satin house robes from the 50s.
Styling Tips for Today:
Balance the bulk: pair a quilted jacket with slim pants or a crop top to contrast the volume. A vintage quilted vest over a fitted turtleneck is both cozy and stylish. Mix traditional textures (like corduroy or denim) with quilting for a grounded, tactile look.
Pattern Rarity & Value:
True vintage quilted garments—especially from the 1950s or handmade pieces—can be valuable. Look for intricate stitching, bold patterns, or branded versions like Chanel or Barbour for higher resale potential.
Sequin Embellished
Visual Description:
Sequin embellished patterns feature small, shiny discs—often metallic or iridescent—sewn onto fabric in dense or decorative arrangements. They reflect light and create a dazzling, eye-catching effect, often forming motifs, swirls, or full-coverage shimmer.
Historical Background:
Sequins date back to ancient Egypt, where gold discs adorned garments to signify wealth and status. The modern plastic sequin became popular in the 1920s during the flapper era and resurged in the disco-heavy 1970s and glam-centric 1980s. Sequins have since become synonymous with partywear and theatrical fashion.
Era of Popularity:
Major waves in the 1920s, 70s, and 80s—especially during disco, glam rock, and power dressing eras. Returned again in the 2000s and 2020s as Y2K revival and maximalism made their comebacks.
Associated Subcultures or Styles:
Seen in drag, disco, glam rock, burlesque, Y2K, and partywear aesthetics. Sequins are also favored in showbiz, cabaret, and pageant fashion.
Garment Types Commonly Found:
Cocktail dresses, evening gowns, bolero jackets, tops, skirts, and accessories like clutches or shoes. Vintage sequin cardigans and shell tops are particularly collectible.
Styling Tips for Today:
Let the sparkle shine by keeping everything else minimal. A vintage sequin top pairs well with high-waisted jeans for a high-low look. For bolder style, layer a sequin jacket over a band tee and leather pants. Avoid clashing textures and go light on jewelry.
Pattern Rarity & Value:
Heavily sequined vintage garments, especially hand-sewn or from designers like Bob Mackie or Oleg Cassini, are highly collectible. Condition is key—look for intact stitching and minimal missing sequins.
Snake Print
Visual Description:
Snake print mimics the scaled and often irregular texture of a snake’s skin. It usually features a repeating pattern of hexagonal or diamond-like shapes in natural tones like grey, brown, beige, or even bold, dyed colors for dramatic effect.
Historical Background:
Reptile-inspired fashion has ancient origins, but snake print began appearing in Western fashion in the early 20th century—especially in accessories like shoes and handbags. In the 1970s and 80s, it exploded in popularity as part of glam rock and disco fashion, and again in the 1990s with grunge and edgy streetwear.
Era of Popularity:
Major surges came in the 1970s, 1980s, and 1990s, with revivals in the late 2010s and early 2020s driven by animal print comebacks and celebrity influence.
Associated Subcultures or Styles:
Snake print is linked to glam rock, punk, 90s grunge, Y2K fashion, and even Western wear when used on boots and belts. It also appears in high fashion collections as a symbol of luxury and rebellion.
Garment Types Commonly Found:
Pants, mini skirts, boots, jackets, bodycon dresses, handbags, and occasionally shirts or scarves. Also common in faux leather and vinyl finishes.
Styling Tips for Today:
Snake print works best as a standout piece—try snake print pants with a black crop top, or a snake-print blouse with jeans and gold jewelry. For a modern edge, pair it with leather or monochrome fits. Keep other prints to a minimum.
Pattern Rarity & Value:
Vintage snake print leather (especially real snakeskin from the 60s–80s) is rare and often regulated, making it valuable. Faux snake print items from bold fashion decades are still sought after, especially in great condition or with designer labels.
Striped – Horizontal
Visual Description:
Horizontal stripes feature parallel lines running across the width of a garment from left to right. These stripes can vary in thickness, spacing, and color contrast — from bold nautical stripes to fine Breton lines.
Historical Background:
Horizontal stripes were popularized in the 19th century by the French Navy, known as the Breton stripe, which later influenced designers like Coco Chanel. The pattern became a symbol of relaxed elegance and casual chic in mid-20th century resort wear.
Era of Popularity:
While rooted in the 1850s French maritime uniform, horizontal stripes surged in fashion during the 1960s mod era and again in the 1980s and 1990s casualwear boom.
Associated Subcultures or Styles:
This pattern is heavily associated with French Riviera fashion, mod style, beatniks, and casual Americana. It’s a staple in preppy and nautical-inspired wardrobes.
Garment Types Commonly Found:
Horizontal stripes are found on T-shirts, sweaters, knit tops, dresses, and sometimes trousers and skirts. Vintage finds often feature cotton or wool blends.
Styling Tips for Today:
Pair a vintage horizontal stripe tee with high-waisted jeans for a classic look, or tuck it into a skirt for a Parisian vibe. Keep accessories minimal to let the stripes shine. Wide stripes make a bolder statement, while narrow stripes are subtler and more flattering on most body types.
Pattern Rarity & Value:
Fairly common in vintage collections, but specific references like 1960s mod or 1970s rugby shirts may command higher value. Stripes from iconic labels (e.g., Saint James, Lacoste) are especially collectible.
Striped – Vertical
Visual Description:
Vertical stripes are composed of parallel lines running from top to bottom on a garment. They can be thin pinstripes, bold color-blocked lines, or evenly spaced narrow stripes — all drawing the eye up and down.
Historical Background:
Vertical stripes have a long-standing association with menswear, dating back to 19th-century tailoring. Pinstripes became iconic through business suits, while bolder vertical lines rose to prominence in 1970s disco fashion and 1980s power dressing.
Era of Popularity:
Pinstripes dominated early 20th-century menswear (especially the 1920s–40s), while wider vertical stripes reappeared in the 1970s disco scene, and again in the 1990s clubwear and 2010s retro revival trends.
Associated Subcultures or Styles:
Common in preppy, mod, and disco styles. Also embraced in 80s Wall Street fashion and later adopted into streetwear aesthetics.
Garment Types Commonly Found:
Suits, trousers, button-down shirts, blazers, jumpsuits, and long dresses. In vintage fashion, striped pantsuits and flared trousers are especially iconic.
Styling Tips for Today:
Vertical stripes elongate the body, making them flattering on most figures. Try a vintage vertical stripe blouse tucked into high-rise jeans or a full-length striped dress for effortless impact. Mix with solids or even floral for bold contrast if you’re feeling adventurous.
Pattern Rarity & Value:
More common than you’d expect — especially in 70s and 90s fashion. Tailored items with pinstripes (especially wool or linen) from designer labels may carry higher resale value.
Tartan
Visual Description:
Tartan is a crisscross pattern of horizontal and vertical bands in multiple colors. Unlike simple plaid, tartans follow a specific sequence known as a “sett” and are traditionally linked to Scottish clans and heritage.
Historical Background:
Tartan originated in the Scottish Highlands and became a symbol of clan identity. Banned after the Jacobite uprising in the 18th century, it re-emerged in Victorian times as a romanticized symbol of Scottish culture. Fashion houses like Vivienne Westwood later punked it up in the 1970s.
Era of Popularity:
Tartan saw surges in the 1970s punk movement, 1990s grunge (think Clueless or Nirvana), and again in early 2000s alternative and preppy fashion.
Associated Subcultures or Styles:
Closely tied to punk, grunge, prep, and alternative fashion. It’s a unisex pattern that’s been reclaimed and reinvented across rebellious and traditional circles alike.
Garment Types Commonly Found:
Kilts, pleated skirts, flannel shirts, tailored pants, scarves, and blazers. Vintage tartan often appears in wool, flannel, or synthetic blends.
Styling Tips for Today:
Wear a vintage tartan mini skirt with a band tee and combat boots for a punk look, or pair a tailored tartan blazer with denim for a preppy twist. Don’t be afraid to mix tartans or layer over graphic prints for a maximalist edge.
Pattern Rarity & Value:
Some clan-specific tartans are rare and collectible, especially in high-quality wool. Designer pieces (Vivienne Westwood, Alexander McQueen) command a premium.
Text / Typography
Visual Description:
Text or typography patterns feature printed or embroidered words, phrases, letters, or slogans as the primary visual design. These can range from bold single statements to full-text overlays or repeating alphabet prints.
Historical Background:
Typography in fashion took off with the rise of protest culture and pop art in the 1960s and 70s. Designers and brands began using clothing as a canvas for expression — from political messages to logo-centric streetwear. Katharine Hamnett’s oversized slogan tees in the 1980s (“Choose Life,” “Stop Acid Rain”) are iconic examples.
Era of Popularity:
Popular from the 1960s onward, especially peaking in the 1980s activism era, resurging in the 2000s logo-mania phase, and again in the 2020s with meme-inspired or self-aware fashion statements.
Associated Subcultures or Styles:
Closely linked to streetwear, punk, DIY fashion, and activist movements. It also overlaps with ironic hipster style and graphic-focused youth culture.
Garment Types Commonly Found:
T-shirts, sweatshirts, tote bags, hats, and sometimes dresses. Vintage typography shirts are especially popular from band merch, skate brands, or niche cultural moments.
Styling Tips for Today:
Let the message speak — wear a vintage typography tee with denim or a leather jacket. Use it to contrast a soft look (e.g., under a floral slip dress) or reinforce a street vibe with oversized fits and sneakers. Be mindful of the message — vintage text can reflect political or cultural attitudes of its time.
Pattern Rarity & Value:
Highly dependent on the text. Vintage tees with now-defunct brands, controversial slogans, or rare event references (concerts, protests) can be highly collectible.
Tie-Dye
Visual Description:
Tie-dye features irregular, swirling, or radiating bursts of color created by twisting, folding, and binding fabric before applying dye. The result is a kaleidoscope of patterns—spirals, stripes, sunbursts, or mandala effects—each piece unique.
Historical Background:
While modern tie-dye is associated with 1960s counterculture, the technique dates back centuries in various forms (e.g., Japanese shibori, Indian bandhani). It became mainstream during the American hippie movement as a symbol of peace, love, and resistance to conformity.
Era of Popularity:
Massively popular in the late 1960s and early 1970s, revived in the 1990s rave scene, and once again during the pandemic lockdowns of the 2020s as a DIY trend.
Associated Subcultures or Styles:
Tie-dye is iconic in hippie, psychedelic, and bohemian subcultures. It’s also embraced by festival-goers, surfers, and streetwear communities.
Garment Types Commonly Found:
T-shirts, tank tops, hoodies, dresses, and even socks. In vintage collections, authentic hand-dyed pieces from the 60s–70s are prized, as are mass-produced 90s rave and surf-brand versions.
Styling Tips for Today:
Pair a bold tie-dye shirt with solid-color jeans or shorts for a playful retro look. For a more fashion-forward spin, layer a tie-dye slip dress with a leather jacket or chunky boots. Keep accessories minimal so the print can shine.
Pattern Rarity & Value:
Common but desirable — especially pieces with true 60s provenance, band merch tie-dyes (e.g., Grateful Dead), or rare color combinations. Vintage tie-dye shirts from early surf brands or festivals can be valuable.
Tiger Print
Visual Description:
Tiger print mimics the bold, irregular stripes of a tiger’s fur, usually in black or dark brown over shades of orange, tan, or gold. Some variations use creative color schemes like neon or monochrome for a more stylized effect.
Historical Background:
Animal prints have been used in fashion for centuries to evoke power, status, and exoticism. Tiger print specifically gained traction in Western fashion during the 1960s and 70s glam era, later surfacing in 80s high fashion and early 2000s clubwear.
Era of Popularity:
Tiger print first roared into fashion in the 60s and 70s, had a strong revival in the 1980s glam and rock scenes, and came back again in Y2K fashion. It’s seeing another resurgence in bold maximalist 2020s styles.
Associated Subcultures or Styles:
Glam rock, disco, punk, and Y2K party culture. Tiger print symbolizes wildness, bold confidence, and a touch of rebellion.
Garment Types Commonly Found:
Jackets, skirts, bodycon dresses, leggings, crop tops, and handbags. Vintage tiger print coats and form-fitting dresses are standout collector pieces.
Styling Tips for Today:
Tone it down with solid black or denim for a modern edge, or go full glam with gold accessories and heels. A tiger print jacket over a minimalist outfit instantly adds drama. Try layering with leather or faux fur for a statement vintage vibe.
Pattern Rarity & Value:
Less common than leopard or zebra, which can make tiger print pieces stand out. High-quality vintage tiger print garments from designer labels or 80s glam brands can be valuable.
Toile de Jouy
Visual Description:
Toile de Jouy (often shortened to “toile”) features intricate, monochromatic pastoral scenes, often in blue, red, or black on a white or cream background. The illustrations usually depict countryside life, classical figures, or historical scenes with a storybook quality.
Historical Background:
Originating in 18th-century France, specifically from the town of Jouy-en-Josas, Toile de Jouy was first developed as a printed cotton fabric by Christophe-Philippe Oberkampf. It quickly became associated with French aristocracy and elegance, used in clothing, upholstery, and wallpaper.
Era of Popularity:
Peaked in the 1700s and early 1800s, toile saw fashion revivals in the 1950s and again in the early 2000s. It remains a symbol of vintage romance and refined taste, often recycled by modern designers like Dior and Ralph Lauren.
Associated Subcultures or Styles:
Often linked to cottagecore, French country style, shabby chic, and romantic vintage aesthetics. It’s also associated with aristocratic or preppy fashion in both clothing and interior design.
Garment Types Commonly Found:
Full skirts, dresses, blouses, corsets, aprons, and loungewear. In vintage fashion, toile often appears on structured dresses or delicate cotton separates.
Styling Tips for Today:
Balance toile’s ornate aesthetic with clean, modern silhouettes. Try pairing a toile skirt with a plain top and loafers for Parisian flair, or go full cottagecore with a puff-sleeve toile dress and lace-up boots. Add wicker or pearl accessories to emphasize the vintage charm.
Pattern Rarity & Value:
True vintage toile clothing is relatively rare, especially in good condition. Toile prints on natural fabrics (cotton, linen) and from heritage French brands or mid-century designers are especially collectible.
Vintage-Inspired Print
Visual Description:
Vintage-inspired prints are modern recreations or reinterpretations of patterns that mimic the look and feel of older decades — think faux-70s florals, 50s polka dots, or 90s geometric shapes. These patterns often incorporate nostalgic motifs but with contemporary colors, scale, or materials.
Historical Background:
While not tied to a single origin, vintage-inspired prints gained momentum in the 2000s as brands and fast fashion labels began reintroducing retro styles to appeal to nostalgic shoppers. Designers like Marc Jacobs, Miu Miu, and Kate Spade often revived older aesthetics through updated silhouettes.
Era of Popularity:
Since the early 2000s, there’s been a steady trend of retro revival, especially influenced by shows like Mad Men (1950s–60s), Stranger Things (80s), and the Y2K resurgence. These prints often cycle with fashion trends and pop culture.
Associated Subcultures or Styles:
Popular in pin-up, rockabilly, indie, and retro fashion communities. It also resonates with thrift shoppers and Instagram-era vintage enthusiasts who want a nostalgic look without hunting for rare originals.
Garment Types Commonly Found:
Dresses, skirts, swimwear, blouses, and rompers. Often seen in brands that lean into nostalgia, such as ModCloth, Unique Vintage, or fast fashion lines imitating retro flair.
Styling Tips for Today:
Mix a vintage-inspired piece with genuine vintage accessories for an authentic blend. A faux-retro floral dress with real 80s boots or a 70s-style blouse tucked into modern denim creates a balanced aesthetic. These prints are perfect for those who want the vintage vibe without the fragility of true vintage.
Pattern Rarity & Value:
Generally more affordable and accessible than true vintage. However, some limited-edition designer recreations or small-batch indie pieces can become cult favorites among collectors.
Western Motif
Visual Description:
Western motif patterns draw from American cowboy, frontier, and rodeo aesthetics. Common visuals include horseshoes, cacti, cowboy hats, lassos, desert landscapes, Native American-inspired geometrics, and bandana-style paisley repeats — often in earthy tones or denim-friendly palettes.
Historical Background:
Western motifs emerged in the late 19th and early 20th centuries, influenced by cowboy culture, Wild West shows, and ranch life. They surged in popularity during Hollywood’s golden era of Western films (1930s–50s), then again with 1970s country-western fashion, and once more in the 1990s with line dancing and denim culture.
Era of Popularity:
1930s–50s during the height of Western cinema; again in the 1970s country music boom; revived in the 90s and now trending once more through “cowboycore” and modern rodeo-inspired festival fashion.
Associated Subcultures or Styles:
Country, Americana, cowboycore, rockabilly, and boho-western hybrids. Often seen at music festivals like Stagecoach and in Southwestern or prairie aesthetics.
Garment Types Commonly Found:
Pearl-snap shirts, denim jackets, fringe vests, bolo ties, embroidered Western shirts, prairie dresses, and cowboy-themed graphic tees.
Styling Tips for Today:
Pair a vintage Western shirt with high-waisted jeans and cowboy boots for a classic look, or go modern with a prairie dress and wide-brim hat. Western prints also pair well with leather, suede, and turquoise jewelry.
Pattern Rarity & Value:
Western motif shirts from the 40s–70s are highly collectible, especially if made in the USA or featuring chainstitch embroidery. Vintage pieces with rodeo branding or snap details can fetch premium prices.
Zebra Print
Visual Description:
Zebra print features bold, high-contrast black-and-white (or occasionally stylized colored) stripes that mimic the pattern of a zebra’s coat. The stripes are uneven, organic, and often create a hypnotic visual rhythm that stands out.
Historical Background:
Zebra print entered Western fashion in the early 20th century as part of the broader fascination with African wildlife and exoticism. It became especially popular in the 1970s glam era, resurged in the 80s punk scene, and once again in Y2K club fashion. Its visual impact made it a favorite of both rebellious subcultures and luxury designers.
Era of Popularity:
Peaked in the 1970s glam and disco eras, revived in the 1980s and 1990s through punk and clubwear, and returned in early 2000s fashion alongside other animal prints. It’s also enjoying a comeback in the maximalist 2020s.
Associated Subcultures or Styles:
Glam rock, punk, 80s club kids, Y2K rave, and drag fashion. Zebra print is often seen as playful, fierce, and a little rebellious.
Garment Types Commonly Found:
Mini skirts, crop tops, faux fur coats, leggings, jumpsuits, and platform boots. In vintage, zebra print is especially common in partywear, novelty items, and costume pieces.
Styling Tips for Today:
Make zebra print the focal point — pair a zebra skirt with a black turtleneck or go full print-on-print with confidence. Add neon accents for a Y2K feel or silver accessories for a glam look. Works well with leather and mesh for a bold night-out outfit.
Pattern Rarity & Value:
Moderately common, but well-preserved 70s or 80s zebra print pieces in quality fabrics or designer labels can be quite collectible. Faux fur zebra coats and original glam pieces are particularly sought-after.
Patterns are more than surface-level design—they’re visual time capsules. By learning the history, cultural context, and modern applications of these 49 classic patterns, you gain a sharper eye for fashion, a deeper appreciation of vintage design, and a competitive edge whether you’re a seller or a style lover.
Use this guide to:
Identify valuable or rare patterns when thrifting or sourcing.
Confidently describe garments in your product listings.
Build thematic outfits or capsule wardrobes based on timeless prints.
Educate your buyers or audience with pattern knowledge that builds trust and authority.
And don’t stop here—check out our stitching guide, share this resource with your community, and bookmark it as your go-to reference for pattern-powered vintage fashion knowledge.
